Live

Об истории современного искусства: от истоков и до наших дней

Об истории современного искусства: от истоков и до наших дней
В рамках проекта «Арт-маршрута» Владимир Селезнев, куратор Уральского филиала Государственного центра современного искусства, а также участник множества российских и зарубежных выставок рассказал тюменцам о основных вехах развития современного искусства

Признаки искусства

Произведение искусства обязательно несет какой-нибудь месседж.

Произведение искусства несет эмоциональный заряд и бывает так, что не всегда положительный.

Произведение искусства часто не имеет ответа и открыто для интерпретаций. Часто оно само по себе является либо вопросом, либо проблемой.

Произведение искусства часто является загадкой, не только для зрителя, но и для самого творца. У меня такая ситуация была не раз: когда придумываешь проект, для себя его внутренне обосновываешь, но для зрителя он несёт иной смысл. В данном случае искусство возникает именно в голове смотрящего, зрителя, и это особенно важно для современного искусства.

Современное искусство начинается?

«Черный квадрат» Малевича – произведение, которое положило конец прошлому искусств. Это картина, но при этом она не изображает вроде как ничего.  Хотя это можно назвать самой реалистичной картиной, потому что выглядит так, как называется. На известной выставке в Петербурге в 1913 году Малевич выставил «Черный квадрат» как икону. Тогда это многих шокировало. С одной стороны, это произведение как черная дыра, если рассматривать ее как метафору, то с одной стороны – это конец чего-то, но с другой – начало новых форм и направлений в искусстве. Малевич далеко не первый, кто начал делать беспредметное искусство, но первый кто написал собственный манифест и поставил флаг «черного квадрата», говорящий «это новое искусство». И после него возвращения к искусству, которое описывает среду было уже невозможным.

Второе произведение, изменившее понимание искусства, было показано в Нью-Йорке на одной из первых выставок Анри Шоу. Марсель Дюшан представил произведение «Фонтан». Так и получился стиль «редимейд», когда художник переносит объект из одной среды в другую: из профан ной (магазина сантехники) – в сакральную (в галерею). Таким образом, этот объект получает статус искусства. Тогда на выставке был скандал, и Дюшана попросили убрать его произведение.

Начиная с Малевича или Дюшана появилось такое понятие, как художественный жест, когда художник не просто пишет картину, а делает какое-либо действие, которое влечет за собой обсуждение или какую-то реакцию.

Дадаизм

Поэт Хуго Баль «Когда мысль рождается во рту». Художники придерживались принципа: если ты хочешь делать что-то быстро, то делай это сейчас, не думая, а уже потом размышлять, что бы это могло значить. Главное делать – потом разберемся.

Дадаизм – это сочетание вроде бы несочетаемых вещей, когда появляющийся образ заставляет нас задуматься, что художник имел в виду. Именно в этот момент происходит преображение искусства, когда зрителю не просто предлагают созерцать что-то, а еще думать о том, что он видит, вступать в какой-то диалог.

Дюшан и Монрель известны тем, что они стали первыми использовать кинокамеру как инструмент художника. Их можно назвать протовидеоартистами – людьми, которые начали работать над движущейся картинкой.

Сюрреализм

Один из прародителей сюрреалистов Анре Бретон взял фразу из книги графа Лотреамона «Песни Мальдорора»  (настольная книга для этого направления). Бретон считал, что сюрреализм – это как у Лотреамона "встреча зонтика и швейной машинки на анатомическом столе". Когда соединяется нечто разнородное, появляется нечто третье, которое имеет очередные смыслы. Одна из черт сюрреализма – произведение должно быть похоже на нечто из сновидений. Сюрреалисты увлекались популярными тогда теориями Зигмунда Фрейда. Еще Анре Бретон практиковал автописьмо: он брал газеты, начинал вырезать из них любые слова, скидывал вырезки в мешок, доставал по одной и получался вполне осмысленный или довольно странный текст. Также художники проводили вполне хаотично несколько линий, а потом смотрели, во что же их можно преобразовать.

Ив Танги довольно менее известен, чем Сальвадор Дали. Сальвадора Дали выгнали из сюрреалистов. Анри Бретон, как один из основателей, выгнал его за излишнюю коммерциализацию стиля. Дали как раз своровал прием  пустынных пейзажей у Ива Танги. Анре Бретон считал, что художник не должен показывать все до конца, должно быть пространство для зрителя.

Европейский и американский абстрактный экспрессионизм

В одной из своих книг Василий Кандинский писал, что когда пришел с очередной выставки (а в то время он писал пейзажи и дам в кринолинах), где как раз вновь увидел пейзажи, ему показалось, что таких картин слишком много. Вдруг он обратил внимание на холст, который стоял у него в мастерской: это был пейзаж, но он был перевернут вверх ногами. И тут понял, что именно так начинается главное в искусстве, когда перестаешь видеть узнаваемое, а смотришь только на цветовые сочетания, на форму, на линию, на пятно. В этом он увидел рождение нового искусства, когда человек следит не за сюжетом картины, а за живописными качествами, которые работают хорошо и отдельно от этого сюжета. Это открытие подтолкнуло его отказаться от узнаваемых вещей, от натуры.

Паул Плеве известен тем, что он изучал детские рисунки. Понимаете, когда вы профессиональный художник, вам будет сложно рисовать как ребенок. Паул Плеве очень стремился к тому, чтобы забыть все свое образование и стать таким же непосредственным рисовальщиком, какими обычно бывают дети.

В ранних работах Марка Ротко еще угадывались какие-то изображения, фигуры. В последствии он начинал уходить от наследия сюрреалистических вещей. Свой выработанный стиль он называл «живопись цветового поля». Чтобы полностью понять его работы, нужно смотреть их в музеях. Лет пять назад в «Гараже» была выставка Марко Ротко, которую организовывал его фонд. Художник всегда отстраивал свет собственноручно. Есть такое клише, что живопись должна быть хорошо подсвечена, чтобы можно рассмотреть все краски. Ротко же наоборот очень много экспериментировал с освещением. И когда заходишь в зал, где висят его работы, кажется, что света катастрофически не хватает. Правда чем дольше ты там находишься, тем лучше понимаешь замысел художника. Вообще это физиология человеческого глаза: когда ты в темноте смотришь на что-то, колбачки и палочки привыкают особым образом. Тогда я смотрел на его картину, и мне казалось, что это видеоэкран: живопись начала двигаться. Для меня тогда стало открытием, что художник еще может изучать воздействие цвета на человеческий глаз.

Второй из важнейших людей в экспрессионизме – Джейсон Поллок. У американских художников примерно после 1945 года была ревность к европейским, потому что американцы были абсолютно неизвестны на тот момент. Поллок, Ротко стремились к тому, чего еще не было в живописи. У Джексона Поллока это получилось практически случайно, когда он опрокинул банку с краской на уже готовую работу.  Ему понравился эффект  так родился термин action-painting(живопись-действие – прим.ред.), когда художник не просто красит кисточкой. Он превращает сам процесс в настоящий перформанс, берет ведра с краской, выплескивает все на холст… Некоторые работы достигают 8 метров в длину и когда видишь их вживую, то кажется, что это ворота в другой мир, в которых можно потеряться.

Работы Жана-Мишеля Баския рождались практически спонтанно. Он ставил холст, одновременно включал телевизор и радио, и все, что слышал и видел, начинал зарисовывать. Картинки менялись, тут он начинал зарисовывать что-то еще. Из хаотичных наслоений получалось экспрессивное полотно.

Минимализм

Ричард Серра и Дональд Джанн не стали брать готовый продукт, как это делал Дюшан, они проектировали скульптуры, но потом заказывали их на заводе. Тогда художник перестал быть человеком, который делает свой проект "от и до". С появлением минималистов и конкретно этих художников, скульптура перестала быть такой в привычном понимании. Она стала тотальной, то есть ты можешь зайти во внутрь, и, находясь рядом с ней, ты скорее ее чувствуешь, чем видишь из-за её огромных размеров.

Поп-арт

50-е годы, послевоенное время, общество потребления. В Америке и Европе жизнь начала налаживаться, люди стали покупать красивые вещи, именно тогда появился поп-арт. Энди Уорхал – не главный художник этого направления, но он был тем, кто довел поп-арт до формулы : «Искусство поп-арта означает то, что ты можешь делать искусство на конвейере». Искусство становится таким же товаром.

Роберт Раушенберг начал использовать символы массовой культуры, политики. Он стал наслаивать на свои картины символы того времени. Джаспер Джонс обращался к повседневным символам, к цифрам и изображал их в неожиданных ракурсах. Роберт Раушенберг использовал обрывки из журналов. Наверное, самая известная работа Джаспера Джонса, когда он нарисовал американский флаг на холсте. Американцы очень патриотичная нация, и они использую его только по назначению. А здесь художник делает из этого символа некий симулянт, так как государственный флаг изображен, но он не может висеть на флагштоге. Это произведение очень хорошо объясняет природу поп-арта, когда вместо какого-то товара предлагают его симулятор, который лишен сакральных или полезных свойств: "Банку супа Кемпбелл" у Уорхала ты не можешь съесть – это просто изображение. Первая работа, которая появилась в поп-арте – это работа Ричарда Гэмельтона "То что делает наши дома привлекательными", когда он сделал коллаж из журналов, вырезал какие-то модные и передовые вещи. И соединив все вместе, сделал такое руководство к действию "если ты это имеешь, значит ты успешен".

Джеймс Розенкрист берет журналы или рекламу и делает ее наслоениями, то есть то, что мы постоянно видим в рекламе.  Рой Лихтейнштейн брал образы из комиксов и вырывал их из контекста, разгонял изображение на большие форматы.

Гипперреализм

Гипперреализм – на мой взгляд, это тупиковая ветвь, которая ничего не несет. Могут менять темы. К примеру, Джон Кесседи, который рисует рекламу чулок; есть специалисты по сельским кафе. И они всю жизнь рисуют только эту тему.

Герберт Лихтер начинал как гиперреалист. Есть его ранние работы, когда он делал абсолютно фотографические вещи, впоследствии он сам разочаровался в этом стиле и понял, что за ним ничего нет. Изначально он брал не очень скомпонованные кадры, для него была важна случайность в этой фотографии. Затем он разочаровался в гипперреализме и однажды размазал краску по уже готовой картине и ему это понравилось больше. Впоследствии он перешел в абстракцию.

Чак Клоуз рисовал одну из своих первых картин с полероида. Ему было важно передать не само изображение, а ту технологию, посредством которой оно было сделано. Если оно сделано полероидом или обработано в фотошопе, мы это видим. Для Клоуза важнее описать изменение технологического производства фотографии.

Советское ответвление поп-арта: наш ответ на поп-арт. Если у них символам поп-арта было общество потребления, то наши художники работали с тем, что им ближе: с социалистическими символами и лозунгами. Они повторяли стиль, но в новых условиях. Многие русские кон-конформисты, концептуалисты были иллюстраторами детских книг (Табаков, Виктор Пивоваров). Комар, Мелами работали с социалистической шизофренией, показывали абсурд социалистического строя. Они работали в стиле соц.арт, но вместо колхозников, ударников производства, они рисовали иронические картины. "Сталин и музы" - картина о том, как Сталину пришла идея о социалистическом реализме.

Концептуализм

Джозеф Кошут написал трактат о концептуализме "Искусство после философии". Важная фраза из этой книги "Быть художником сегодня, означает задавать вопросы о природе искусства". Не изображать уже что-либо, вообще отказаться от изобразительного ряда в пользу текста, в пользу смысловых коммуникаций со зрителем. Дать зрителю думать самому.

" Объект самоопределяется" - это одна из первых его световых работ, когда человек входит в зал.

Начало мыслительного процесса – как раз и есть механизм концептуализма, когда художник дает право думать об искусстве, рождать собственные интерпретации.

Одна из самых известных работ Джозефа Кошета называется "Один и три стула". Это три разных инсталляции: описание понятия стул из слова, дан реальный стул, фотография этого же реального стула. Что здесь первично, что здесь предмет искусства?


Материал подготовила Дарья Вехтева

 

Комментарии (/articles/172089-ob-istorii-sovremennogo-iskusstva-ot-istokov-i-do-nashikh-dney-/)